El impacto de Agnès Varda en el cine hoy en día es inmenso y de gran alcance. Aunque más famosa por sus películas asociadas con el movimiento francés nouvelle vague en la década de 1960, su influencia se extiende más allá de la época, durante más de medio siglo de historia del cine. Es casi imposible resumir la profundidad y amplitud de su arte elaborado en diversos medios, el trabajo es tan rico, tan vasto, tan lleno de dilemas filosóficos, experimentación formal y observación sociopolítica, que exige una consideración profunda y continúa. Sus temas a lo largo de los años abarcan desde los derechos de aborto para las mujeres francesas hasta el activismo político del Black Power, desde la alienación de clase hasta su matrimonio con el director Jacques Demy, desde papas, hasta gatos.
Varda confió en sus propios instintos e intereses, lo que le permitió alimentar su creatividad de muchas formas. En la universidad estudió historia del arte y fotografía. De 1951 a 1961 fue la fotógrafa oficial del Théâtre National Populaire. «Mis influencias fueron la pintura, los libros y la vida», dijo una vez en una entrevista. Luego se cambió al cine, creando obras singulares a pesar de haber visto solo un puñado de películas antes de levantar una cámara.
Su primer largometraje, La Pointe Courte (1955) es una crónica neorrealista de un pueblo de pescadores, ambientada en la pequeña ciudad costera de Séte, donde combinó la estética documental con la narrativa visual de vanguardia para examinar el declive de las pequeñas comunidades provinciales de la clase trabajadora frente a la centralización parisina de posguerra. Al yuxtaponer las esperanzas frustradas de los habitantes (muerte infantil, regulaciones burocráticas de pesca) y las alegrías diarias con la muerte y el renacimiento del matrimonio de una joven pareja, Varda dramatiza las disparidades geográficas de Francia con un tipo de radicalismo compasivo que su carrera posterior se construyó continuamente como un todo: empatía y curiosidad sobre la vida cotidiana de la gente común, su propia historia, la experiencia personal y la voluntad de dejar que la película vague en lugar de limitarla a una estructura narrativa clara.
Cléo From 5 to 7 (1962) sigue a una joven parisina que, mientras espera los resultados de una biopsia, comienza a pensar que podría tener cáncer. A pesar del ajetreo y el bullicio de la vida en la ciudad a su alrededor, Cléo solo puede ver indicios de su propio estado mental angustiado y el terror de su muerte inminente. La película se convierte en una exploración del tiempo, su poder y sus consecuencias, y la mortalidad. En el punto culminante emocional de la cinta, la cámara de Varda se arquea lentamente hacia la cara de Marchand cuando Cléo comienza a practicar su nueva canción recientemente compuesta, una balada triste de amor perdido titulada Sans Toi. Cuanto más se acerca la cámara a su cara, más se oscurece el fondo, haciendo eco de su cambio de humor a medida que el miedo, la frustración y la tristeza que ha estado albergando durante horas encuentran una salida temporal. Varda crea una obra estilísticamente heterogénea, construye una colección de instantáneas entre las cuales los pensamientos y sentimientos de su protagonista comienzan a deambular.
Las primeras películas encajaron con la nouvelle vague francesa: se basaron en la memoria, se jugaron radicalmente con la forma (ediciones de salto, cambiar de color a cinematografía en blanco y negro), y se instalaron en ubicaciones reales. Mientras que otros cineastas asociados con el movimiento filmaron películas a finales de los veinte y treinta y pocos años, Varda lanzó a Cléo a los 34 años, lo que le valió el apodo de ‹Abuela de la Nouvelle Vague› a pesar de ser su creadora y contemporánea, en lugar de una antecesora. Aunque no estuvo asociada con François Truffaut ni Jean- Luc Godard, el ala de los cineastas que escribieron para la icónica revista Cahiers du Cinéma influenciados por el clasicismo de Hollywood. Más bien, ella fraternizó a menudo con directores como Alain Resnais, Chris Marker y Jacques Demy (un extraño que adoraba los musicales de Hollywood y estaba casado con Varda), quienes optaron por un estilo más libre y menos intelectualmente vinculado, aunque no menos logrado, que el de sus colegas de Cahiers, figuras que dibujaron más de la literatura y otras formas de arte más allá del cine.
La mayoría de las veces se centró en personajes femeninos y cuestiones feministas (como los derechos de aborto en la película de 1977, One Sings, the Other Does does) Aunque no tan explícita o provocativa en su expresión como las compañeras contemporáneas feministas Chantal Akerman y Delphine Seyrig, la política de Varda se manifestó como una empatía radical por los marginados y mal entendidos, expresada tanto en música, ritmo y sonido como en las caras de sus actores. Ella tenía un interés genuino en las personas, en los aspectos de la vida que pueden parecer menores o intrascendentes, y ampliaba esos momentos e ideas hasta darles importancia épica, que se puede sentir en la misma fibra de su arte, ya que está lleno de humanidad y calidez. «En los documentales, o cuando hago un retrato, considero que es importante sentir a las personas que estoy viendo: empatía, simpatía, ternura o curiosidad», dijo a Sabine Mirlesse para Bomb Magazine.
La cantante protagonista en Cléo recibe la misma consideración profunda que la vagabunda en Vagabond (1985), protagonizada por Sandrine Bonnaire en 1985. En una estructura narrativa que recuerda a Rashomon, Varda, una presencia invisible pero claramente sentida, trata de armar el retrato de una mujer sin hogar fallecida, entrevistando a varios lugareños que la conocieron antes de morir. Desde la criada de una mujer rica hasta la trabajadora migratoria tunecina, cada testimonio, informado por la perspectiva social de su orador, pinta un cuadro que contradice o complica al siguiente y desafía las ideas preconcebidas del espectador, llamándolos a una mayor conciencia de su propio ecosistema social.
También se insertó frecuentemente en su propia obra. Una de sus películas más personales es Les plages d'Agnès (2008), en la que su fascinación por las playas, que relatan momentos pasó frente a las costas de Arles, Bélgica; Noirmoutier, Francia; y Los Ángeles, California, conduce a una cuenta fluida de la historia de su vida. Y aun así, se contradice a sí misma, prefiriendo las narraciones de los demás. «Son otros en los que estoy interesado, son otros los que me gusta filmar (...) Otros que me intrigan, me motivan, me hacen hacer preguntas, me desconciertan, me fascinan», dice. Al ponerse la cámara sobre sí misma, descubre a una persona formada por otros.
La mayor parte del trabajo posterior consistiría en documentales, tanto largometrajes como cortos, que indagaron la vida de personas comunes y los problemas políticos más amplios con igual curiosidad e ingenio. Exploró la relación entre las imágenes y las personas, concertó una amplia variedad de temas y siguió dibujando conexiones invisibles entre su vida y su obra. «Me interesa la contradicción, la contradicción interna, que hace que todos sean tres personas al mismo tiempo, todos pueden ser tan diferentes de un momento a otro, de un sentimiento a otro», declaró en una rueda de medios. Documentales como The Gleaners and I (2000) ofrecen preguntas de forma libre sobre la relación de Varda con el cine, con meditaciones sobre la naturaleza de imágenes fijas y en movimiento, digresiones sobre la historia francesa, reflexiones sobre sus películas, sus diversas vidas interiores, homenajes a obras de arte famosas, con segmentos sobre los derechos de los trabajadores y las mujeres.
Faces Places (2017) sintetizó de manera conmovedora su enfoque de la vida, el arte y la política a través de un viaje por la Francia rural con el artista JR (quien fue co-director de la película) durante el cual el dúo utiliza la fotografía y la instalación de arte para conectar a los aldeanos, trabajadores y jubilados con sus comunidades
Mientras seguía haciendo un trabajo que cavilaba sobre su propio pasado, la persona pública de Varda se convirtió en una especie de capricho para la fantasía en Internet. Las fotos circulaban rodando una pelota de playa gigante por una calle, un truco relacionado con el estreno teatral de Faces Places (2017). Cuando dicha película fue nominada para un Oscar del 2018, lo que la convirtió en la persona de mayor edad en ser nominada para el premio, Varda envió recortes de cartón de sí misma al almuerzo de la ceremonia de entrega de premios, que fueron fotografiados con celebridades.
Agnès Varda usó su cámara como un medio para descubrir el significado más importante e invisible detrás de los actos y sucesos cotidianos. Su cine era de una amabilidad militante que enfatizaba la humanidad compartida entre artista, sujeto y audiencia y alentaba una conexión más fuerte entre ellos. Esta actitud humanista, más que cualquier nueva técnica o estilo, fue lo que definió todo su arte.
